Jeff Koons im CALL-Interview: KI ist großartig für die Kunst

Sie gehören zu den Künstlern, deren Werke sich in das Bewusstsein einschreiben. Man sieht Ihre Arbeiten und vergisst sie nie wieder. Ich erinnere mich an die Staubsauger, die Sie in den 1980er-Jahren in der Saatchi Collection ausstellten, an „Made in Heaven“ mit Ihrer damaligen Frau Ilona Staller auf der Biennale von Venedig, das eine weltweite Kontroverse in der Kunst auslöste. Und kürzlich sah ich Ihre Hommage an Griechenland und seine Mythologie in Hydra. Sie sind nicht nur einer der teuersten (Anm.: Sein Werk „Rabbit“ erzielte bei einer Rekordauktion 91 Millionen US-Dollar), Sie sind auch einer der berühmtesten Künstler. Was bedeutet Ruhm für Sie, und verhindert Ruhm nicht auch manchmal den Blick auf Ihre Arbeit selbst?

Wissen Sie, ich wollte immer nur mitmachen. Als junger Künstler wollte ich engagiert sein. Ich wollte im Dialog mit anderen Künstlern stehen. Die Idee der Avantgarde, dass man Teil einer Gruppe von Menschen sein kann, die alle versuchen, über sich hinauszuwachsen, das hat mich schon immer interessiert. Das ist es, worüber ich nachdenke. Ich denke nie an die Preise meiner Werke oder an den Ruhm. Natürlich wollte ich in der Lage sein, einfach meine Arbeit zu machen und mich nur auf meine Arbeit zu konzentrieren.

Ich denke nie an die Preise meiner Werke oder an den Ruhm. Die Idee der Avantgarde, dass man Teil einer Gruppe von Menschen sein kann, die alle versuchen, über sich hinauszuwachsen, das hat mich schon immer interessiert. 

Ihre Arbeit basiert auf hoher handwerklicher Qualität und ist oft technisch sehr fortschrittlich. Die Produktion ist teuer.

Um die Materialien, mit denen ich arbeite, zu formulieren, können manchmal einige Kosten anfallen. Aber wissen Sie, was auch immer ich tun muss, um das zu erreichen, ich tue es. Mein Ziel war immer, Werke zu schaffen, die mir selbst etwas sagen und die ich dann mit anderen teilen kann.

Künstler sollen sich selbst treu bleiben und sich gleichzeitig immer wieder neu erfinden. Wenn Sie sich Ihre ersten Arbeiten, die frühen und Ihre jüngsten Werke ansehen, wo sehen Sie Kontinuität und wo sehen Sie Brüche? Gab es Zäsuren, die Ihrer Meinung nach wichtig waren? 

Ich denke die Idee, das Konzept, dass Kunst neu ist oder Künstler sich verändern, hat mit der Anpassungsfähigkeit im Leben zu tun. Wir alle müssen uns an die Umstände im Leben anpassen, und ich denke, dass Künstler an vorderster Front zeigen, dass wir von der Anpassung profitieren. Als ich etwa 18 Jahre alt war, wurde mir klar, wie mühelos die Künste einen mit allen menschlichen Disziplinen verbinden, und ich konnte mich intensiver mit Philosophie, Psychologie und Soziologie beschäftigen. Das sind die Bereiche, die es einem ermöglichen, sich weiterzuentwickeln und Anreize für Veränderungen zu erhalten.

Wenn ich mir Ihre Arbeit ansehe, dann sehe ich, dass es eine breite Palette gibt. In der Architektur spricht man über das Signaturwerk, ein Werk, das die Hauptidee eines Künstlers, eines Architekten beinhaltet und verdichtet. Wenn ich Sie nach einem solchen Werk frage, welches würden Sie nennen?

Ich denke, es ist das gesamte Werk. Es ist sehr schwer, ein einziges Werk zu benennen, aber in allen Arbeiten kann man dieselbe Kerninformation auf unterschiedliche Weise darstellen. Ich denke an den „Equilibrium Tank“, „One Ball Equilibrium“, wo ein Ball einfach schwebt. Er ist zu leicht, um nach unten zu fallen, aber zu schwer, um nach oben zu entgleiten, alle Kräfte sind gleich. Ich denke, das ist ein sehr metaphysisches Werk. Aber ich liebe auch Licht und Reflexion. Ich mag Ehrfurcht und Verwunderung. Daher denke ich, dass meine reflektierenden Werke, mein Rabbit oder alle meine Edelstahlstücke, mit diesem himmlischen Licht spielen.

Sie arbeiten mit Fotografien, Sie haben Gemälde gemalt, Sie haben große Objekte geschaffen, vor allem bedeutende Skulpturen aus Stahl, Keramik, Porzellan, Holz und klassischen Materialien der Bildhauerei. Würde es Sie stören, wenn man Sie einen Bildhauer nennen würde? 

Ich sehe mich gerne als Künstler, weil es für mich um Ideen geht. Es geht nicht darum, nur Formen zu verwenden, um Ideen zu vermitteln. Ich mag das Wort „Künstler“, weil ich im Kern versuche, eine Bedeutung zu vermitteln oder den Betrachter so schnell wie möglich mit einer Bedeutung in Verbindung zu bringen, so dass er ein Bild betrachten und erkennen kann, dass es eine Bedeutung hat und wie wunderbar es ist, einen Sinn im Leben finden zu können.

Mein Vater war Innenarchitekt, durch ihn lernte ich Ästhetik. Mein Großvater war Politiker und Schatzmeister von New York.

Sie sind auf dem Land geboren und aufgewachsen. War Ihre Familie an Kunst interessiert und gab es eine Art Initiationserlebnis, bei dem Sie spürten: „Ich will Künstler werden“?

Mein Vater war Innenarchitekt und hatte ein Geschäft, Henry J. Koon‘s Interiors, so wurde ich erzogen, ich lernte Ästhetik durch meinen Vater. In der Familie mütterlicherseits war mein Großvater Politiker, er war der Schatzmeister in York. Und mein anderer Großvater und seine Brüder und Schwestern waren Kaufleute, sie hatten Geschäfte, sie hatten Kontakt zur Öffentlichkeit. Der Vater meines Vaters war Straßenbahn- und Busfahrer, er hatte immer mit Menschen zu tun. Ich glaube also, dass ich die Ästhetik von meinem Vater übernommen habe, aber auch durch meine Familie habe ich gelernt, Menschen zu mögen und Teil einer Gemeinschaft zu sein.

Ich traf Salvador Dalí in New York im St. Regis Hotel. Ich sagte ihm, dass ich ein Fan sei. Er gab mir das Gefühl, dass ich die Kunst zu meinem Lebensinhalt machen könnte.

Haben Sie nicht Salvador Dalí getroffen?

Ja. Meine Mutter erzählte mir, dass sie in einer Zeitschrift gelesen hatte, dass Dalí jedes Jahr die Hälfte seiner Zeit in New York im St. Regis Hotel verbrachte. Und ich dachte: „Oh, das ist interessant. Weißt du, ich werde das Hotel anrufen.“ Und das tat ich auch. Ich rief an und bat darum, mit dem Zimmer von Salvador Dalí verbunden zu werden, was sie auch machten. Und plötzlich ging Dalí ans Telefon, er sprach verschiedene Sprachen, am Anfang war es schwer, sich zu verständigen, aber dann machte er es mir leichter. Ich sagte ihm, dass ich ein Fan sei und dass ich mich freuen würde, ihn zu treffen. Und er sagte: „Wenn Sie dieses Wochenende nach New York kommen, treffe ich Sie am Samstag um 12 Uhr in der Lobby.“ Und ich antwortete: „Ich werde da sein.“ Genau um 12 Uhr öffnete sich die Fahrstuhltüre, Dalí kam in einem großen Büffelpelzmantel heraus. Er trug seinen Stock mit Silberkopf und diamantene Krawattennadeln, und er gab einem wirklich das Gefühl, etwas Besonderes zu sein. Er gab einem das Gefühl, dass er nur für diesen Moment gekleidet war, wenn er dich traf. Er sagte mir, dass er eine französische Journalistin treffen würde, eine Frau in der Knoedler Galerie, weil er dort eine Ausstellung hatte, und ob ich zur Knoedler Galerie gehen und mir die Ausstellung ansehen wolle. Ich antwortete: „Sicher“. Dalí sagte, er würde mich dort treffen, und ging seinen Weg, ich ging meinen. Ich traf ihn in der Galerie, er ging mit dieser großen blonden Frau herum und war sehr aufgeregt. Er kuratierte zwei Ausstellungen. Er hatte eine über Surrealismus und Dada und eine über seine eigenen Werke. Später erfuhr ich, dass es sich bei der französischen Journalistin um Amanda Lear handelte, Dalís Muse in den 1970er-Jahren und eine erstaunliche Künstlerin, die für Dalí sehr wichtig war. Nachdem er Amanda herumgeführt hatte, posierte er vor einem Gemälde, dem Royal Tiger, hob seinen Schnurrbart in die Luft und sagte: „Junge, beeil dich. Ich kann diese Pose nicht den ganzen Tag halten.“ Ich bewegte mich mit meiner Kamera hin und her und schoss ein Foto von ihm. Am selben Tag reiste ich ab. Ich lebte zu der Zeit in Baltimore. Er gab mir bei dem Treffen das Gefühl, dass ich genau das machen könnte: die Kunst zu meinem Lebensinhalt machen. Und das war sehr, sehr großzügig von ihm.

Als Künstler ist es so, als würde man ein Auto starten. Das ist der Punkt, an dem die Metaphysik ins Spiel kommt, wo sich Zeit und Raum verbinden. 

Wie arbeiten Sie? Wie kommen Sie von der ersten Idee zum fertigen Werk? Läuft alles nach einem bestimmten Plan ab oder gibt es auch spontane Momente?

Ich arbeite sehr intuitiv und daran, was immer mich interessiert. Das ist das Schöne an der Freude, an der Transzendenz, dass das Einzige, was wir haben, was uns wirklich Freude bereitet, unsere Inter­essen sind. Und das Einzige, was man dafür tun muss, ist, diesen Interessen zu folgen. Wenn man ihnen folgt und sich wirklich darauf konzentriert, wird man die Fülle an Informationen erkennen, die einen umgeben, die einen interessieren und neugierig machen. Das ist der Punkt, an dem die Metaphysik ins Spiel kommt, wo sich Zeit und Raum verbinden. Als Künstler ist es so, als würde man ein Auto starten. Ich erinnere mich, als ich jünger war, auf die Kunstschule ging und im Sommer nach Hause kam, habe ich während der Sommerpause nicht wirklich Kunst gemacht. Ich war noch ein Kind. Und dann ging ich wieder zur Schule, und es war, als würde man das Auto wieder anstarten. Wie ein altes Auto, bei dem man eine Kurbel hat und sagt: „Prr…“ (tut so, als würde er einen Motor anwerfen). Und ich werde mich auf meine Arbeit konzentrieren, ich werde ein Gemälde beginnen, und ich bin interessiert. Sagen wir, ich interessiere mich für rote Scheunen. Eigentlich interessiert mich an der Scheune dieser Aspekt der Perspektive, und bevor man sich‘s versieht, fängt sie an zu laufen. Es dreht sich, es fällt nicht aus. Und es ist einfach dieses anhaltende Interesse, und die Möglichkeit, deinem Interesse zu folgen, sich darauf zu konzentrieren, was alles ausmacht.

Können Sie etwas über das Verhältnis von Kunst und Leben, Realität und Arbeit sagen? Wie verflechtet sich Ihre Arbeit mit Ihrem Leben?

Als ich jünger war, hatte ich keine Ahnung von der Macht der Kunst. Ich dachte, dass Kunst darin besteht, ein realistisches Objekt zu schaffen oder die Perspektive zu verstehen. Wissen Sie, auch heute noch wird im Wesentlichen in der Ein-Punkt-Perspektive unterrichtet. Es gibt sieben verschiedene Perspektiven. Aber selbst als Künstler habe ich das nicht wirklich gelernt. Als ich die Kunstschule besuchte und anfing, ein wenig Kunstgeschichte zu verstehen, erfuhr ich, dass die Künste einen mit allen menschlichen Disziplinen verbinden. Man kann also in einen Dialog über Psychologie, Philosophie, Physik, Ästhetik und alle anderen menschlichen Disziplinen eintreten. Und das hat mein Leben verändert. Ich erinnere mich, dass mein Kunstgeschichtelehrer ein Bild von Manets Olympia zeigte und anfing, über den Schmerz zu sprechen und darüber, dass Olympia sich in einer Position befand, die mit Goyas weiblicher Figur aus einem früheren Gemälde verwandt war. Und dass die Frau, die den Blumenstrauß brachte, die Bedeutung hatte, dass es sich um ein Geschenk einer Kurtisane handelte. Mein Leben hat sich verändert, und jeden Tag, wenn ich aufwache, ist es neu. Ich habe immer das Gefühl, dass ich einen Raum habe, in dem ich mich entwickeln kann, dass ich durch die Kunst als Mensch wachsen kann.

KI ist ein großartige Plattform für die Kunst. Ich verwende sie als Hilfsmittel in meiner Arbeit. Aber die wirkliche Auswirkung ist die Verkürzung der Arbeitszeit. Die Menschen werden mehr Freizeit haben.

Als Künstler sagten Sie, Ihr Hauptziel sei es zu kommunizieren, aber die Kommunikation hat sich durch die Digitalisierung extrem verändert. Es gibt neue Kommunikationsplattformen, die Kommunikation ist viel schneller geworden.

Historisch gesehen diente die Malerei einem anderen Zweck und war wahrscheinlich in der Lage, die Aufmerksamkeit der Menschen etwas länger aufrechtzuerhalten, weil sie eine Plattform bot, die mit einer Art von Information über den Tag, über kulturelle oder historische Ereignisse verbunden war. Aber die Technologien haben sich ständig weiterentwickelt, und so haben sich auch die Plattformen verändert. Heute gibt es einen großen Dialog über KI. Und KI ist eine großartige Plattform für die Kunst. Wir alle nutzen KI jeden Tag in unserem Leben, sei es mit verschiedenen GPS-Systemen oder Suchmaschinen. Ich verwende sie als Hilfsmittel in meiner Arbeit. Aber die wirkliche Auswirkung, die sie haben wird, ist die Verkürzung der Arbeitszeit. Die Menschen werden mehr Freizeit haben.

Sie haben letztes Jahr an einem sehr ehrgeizigen Projekt gearbeitet, das sich mit dem Mond beschäftigt. 

Ja, mit meinem Projekt namens „Moon Phases“. Es war das erste Mal seit über 50 Jahren, dass die Vereinigten Staaten seit den Apollo-Missionen mit Ulysses auf den Mond zurückkehrten. Die Raumsonde trug meine neue Serie von Werken mit sich. Es gibt noch andere Künstler, die auf dem Mond verewigt sein könnten. Uns wurde erzählt, dass es bei einer der Apollo-Missionen, ich glaube es war Apollo 12, ein kleines Quadrat von etwa einem Zoll Größe gab, eine sehr dünne Keramikfliese, auf der Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, John Chamberlaine und noch ein anderer Künstler eine Strichzeichnung gemacht haben. Es gibt keinen Beweis dafür, dass die Fliese tatsächlich auf dem Mond ist. Wenn sie dort ist, dann wurde sie irgendwie versteckt dorthin gebracht. Ich bin sicher, dass einige Astronauten Steine gestapelt und so Werke geschaffen haben, aber meine Arbeit gilt als das erste autorisierte Kunstwerk am Mond. 

Die Raumsonde Ulysses, die auf dem Mond landete, hatte mein Werk “Moon Phases” mit. Es ist das erste Kunstwerk auf dem Mond.

Worum geht es bei „Moon Phases“?

„Moon Phases“ ist ein Würfel, und dieser Würfel enthält 125 einzelne Monde, und jeder Mond ist eine Mondphase. Eine Mondphase liegt vor, wenn der Mond teilweise im Schatten liegt und teilweise von der Sonne beleuchtet wird, und das ist die ganze Zeit so. Der Mondphasenwürfel ist aus rostfreiem Stahl gefertigt, der auf Hochglanz poliert und anschließend mit transparenter Farbe überzogen wurde. Und jede Mondphase in diesem Würfel ist ein Kunstwerk, eine Mini-Skulptur, jede mit einem Durchmesser von etwa 2,5 cm, die verschiedene Mondphasen von der Erde aus gesehen oder aus anderen Perspektiven im Weltraum zeigt sowie die Mondfinsternis. Jede dieser Skulpturen ist mit einer Person verbunden, die in irgendeiner Kultur im Laufe der Geschichte zu irgendeinem Zeitpunkt einen Beitrag zur Welt geleistet hat. Das Spektrum der Personen reicht von Galileo über Muhammad Ali, Rosa Parks, Salvador Dalí, Leonardo da Vinci, David Bowie bis hin zu einer ganzen Reihe inspirierender Menschen. Menschen, die bedeutende Veränderungen herbeigeführt und uns gezeigt haben, wie wir über uns hinauswachsen können. Ich wollte dem Dialog einen Sinn geben. Es wird ein Foto zurückgeschickt, und die Kunstwerke bestehen aus drei verschiedenen Teilen: Ein Teil sind die kleinen Monde, die sich auf dem Mond befinden. Dann gibt es eine große Erdkomponente, die wie ein 12,5-Zoll-Edelstahlmond aussieht, der dieselbe Mondphase hat wie der auf dem Mond. Und dann gibt es noch NFTs, die mit dem Foto erstellt werden, das vom Mond zurückgeschickt wird, sobald er landet. Ich wollte den Menschen auf der ganzen Welt vermitteln, wie wir unser Leben durch Kunst verändern können. Wenn ich mir die „Moon Phases“ anschaue, sehe ich meine ganze Geschichte als Künstler darin. Ich denke an meine Werke über die eingeschlossene Welt, die Serie Equilibrium und auch an die Bestrebungen meiner Nike-Poster. „Moon Phases“ beschäftigt sich wirklich mit dem globalen Streben der Menschheit über die Erde hinaus – tief ins Universum.